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三场大提琴大师课的心得总结

过去半个月,多位大提琴家访华演出,并开设大师班,他们是:David Geringas、Mark Kosower和Marie Kliegel。联盟的老师们东奔西走,聆听了大师讲课,并做了笔记。今天我们把心得分享出来,供更多朋友学习参考。

三场大提琴大师课的心得总结

  1. 注重乐谱版本,一些距离作曲家生活年代比较近的版本值得参考,因为他们与作曲家的审美更接近。
  2. 重要的不是自己喜欢什么声音,而是要揣摩什么是作曲家认为好听的声音,作曲家年代的技术、乐器是什么样的。
  3. 不是所有音符都重要、都需要鲜明的展现,要分清主次。两个连续的、同音高的八分音符,第二个可以短一些。弱起拍上的音不要重。
  4. 注意不同音级音符连续变化过程中的走向和倾向性。应该多看总谱了解和声的变化,并在变化中寻找张力。
  5. 乐谱上标注的速度有重要意义,节拍器决定了音乐的性格。
  6. 换把不能只关注干净和音准,还要注意它是否好听;小拇指的同指换把很难好听,要尤其注意。
  7. 左手的四个手指应该同等强壮,这样揉弦才能听起来没有区别;揉弦应该用上手指的三个面。
  8. 不要把古典时期的作品拉成浪漫,也不要把感情深沉的段落拉成电影音乐。
  9. 声音可以不大,揉弦可以不多,但依然可以通过右手的“揉弦”把感情表达到极致。
  10. 力度记号的背后是表情。
  11. 浪漫主义时期的大量作品里要在演奏中展现出神秘、期待、寻找。这些情绪很多时候需要用很慢的弓速来表达。
  12. 注重乐器之间的关联,找到自己的音域是在钢琴之上、之下还是钢琴的左右手之间,并据此设计自己演奏。伴奏段落结束、大提琴进入时,要果断,不要等。既要自己唱歌,也要和钢琴对话。
  13. 把揉弦当作释放力量,当作Trill,大拇指不要紧张,不要在每一个揉弦上“启动”一下,注意揉弦在不同手指之间传递时的连续性。
  14. 演奏可能像是说话,或是唱歌,或是跳舞,需要清楚自己在做什么。
  15. 注意演奏时的身体姿态,不要低头,这会影响人的发力和乐器的发音。注意所有动作都应该有准备动作,才不会僵死、呆板。
  16. 浪漫时期作品中,很多符点音符不要拉,要像海浪、循环一样,衔接上后面的短音符。不要在短音符的揉弦上犯懒。
  17. 要更关注自己想要表达什么,而不是担心做错。正确并不能打动人,多关注表达反而会让错误更少。要对错误有宽容;活泼而有小错,好过死板而正确。
  18. 演奏者要表达对艺术的想象,而不只是满足于完成谱面上的记号。
  19. 长音符的结尾处不要死硬,不要“在红灯前面刹车”。弓子要敢于离开弦。
  20. 在一些独奏家需要夸张展现旋律或技艺的片段,左手的手指可以扬起来演奏,就像张开嘴说话一样。
  21. 保留手指是可以的,但不能牺牲灵活度而影响音乐性。
  22. 在拇指把位上,左手要习惯性地养成一个八度的框架习惯,且要在这个区域学会揉弦。
  23. 当换把和换弓同时发生时,左手要略微提前一点,待换把完成再改变弓子的走向。

三场大师课分别在中央音乐学院、中国音乐学院、天津音乐学院举办。这些心得是碎片化的、需要结合具体语境的,也是未必适合所有人的。希望各位读者,无论是老师还是学生,能在演奏、教学中,结合实际,善加利用。

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